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SECRETOS COMPARTIDOS, segunda edición.

Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín). Desde el 4 de febrero a las 19 hasta el 12 de marzo

https://www.clarin.com/revista-enie/arte/esteban-tedesco-apetitos-coleccionista_0_RGiqPNYU.html

https://www.lanacion.com.ar/cultura/quien-es-esteban-tedesco-cirujano-plastico-se-nid2330128

MEDIDAS INOLVIDABLES EN LA ESCENA ESTROBOSCOPICA.

Invitan: Alejandro Montaldo y Nicolás Pontón.

Artistas: Marina Alessio, Iumi Kataoka, Matías Dinenzon, Pablo Cavallo, Maia Cosin,

Rosana Schoijett, Nicolás Pontón y Alejandro Montaldo.

Inscribirse en el tiempo, durar, para luego ser ausencia. Estar en línea y desconectarse. Una presencia intermitente, un paso entrecortado. Si ayer nuestra existencia se caracterizaba por ser transitoria, hoy, nuestra transitoriedad, se caracteriza por su intermitencia. Caminar una ciudad es pisarla espaciadamente; la trayectoria que dibujamos es la de la línea discontinua, la de un puñado de guiones gráficos.

Decidimos cenar langosta esa noche. Desde la vidriera analizábamos al último crustáceo, el cual, creemos que mientras nosotros parpadeábamos sincronizadamente (eso concluimos después), desapareció de la pecera. Entendimos que en respuesta a un nuevo parpadeo conjunto lo traeríamos de regreso. Optamos por buscar otro lugar para comer; optamos por no volver a cerrar los ojos. Habíamos pensado no rigurosamente en esta idea de trayectoria, que va desplegando una temporalidad desde la duración, la pausa, la promesa o el recuerdo, a la que le agregamos el parpadeo. Pensamos luego en esa línea gráfica de guiones como imagen de nuestra experiencia cotidiana y pienso ahora que, mirada a la distancia, desde donde todo se empequeñece y comprime, podría verse como una escena con luz estroboscópica, un movimiento continuo al que le sustrajeron stills…

Fotografías encontradas ya recortadas de familiares. Retrato al óleo de mi mamá realizado por mi papá.

ASSEMBLAGE #20: DES STATURES VEGETALES. Curaduría: Pauline Lisowski

Artistas: Atsunobu Kohira – Rosana Schoijett – Jacques Vieille

Vernissage: samedi 14 septembre 2019,

à Julio Artist Run Space, au 13 rue Juillet, 75020

Les formes de la nature inspirent l’architecture. Les livres de botanique et de paysages invitent à un déplacement immobile. Cultiver ses plantes d’intérieur offre l’occasion de voyager chez soi. La plante nous rattache à un lieu, l’observer, la toucher, regarder comment ses formes se développent, nous amènent à prendre conscience d’autres structures de la nature. Le végétal est également trace des changements de notre planète. Il véhicule la mémoire des territoires. Comment donner une nouvelle temporalité aux plantes ? Les serres proposent un dépaysement. Espaces de culture, ces architectures de verre nous conduisent à s’imaginer être ailleurs, hors du temps. Cette exposition tisse des relations entre nature et architecture, intérieur et extérieur, naturel et artificiel. Julio Artist-run Space se transforme en une serre où chaque œuvre déploie un territoire. Images, installations et sculptures associent rapports au toucher, à l’histoire et une invitation à un voyage. Chez Atsunobu Kohira, la plante symbolise une forme d’énergie. Il révèle la matière enfouie, témoignage de la transformation du paysage. Ses œuvres renvoient à plusieurs temporalités, celle du passé du lieu et son devenir. Ses Graphite Sculpture rappellent l’ikebana, l’art végétal japonais: un végétal séché est inscrit dans une étonnante structure géométrique, qui fait référence à la composition moléculaire de carbone. Cette sculpture dévoile l’invisible, l’intérieur de la plante. Son installation in situ Carbon Variation diffuse des lignes qui laissent l’empreinte d’une puissance spirituelle et incarnent les traces d’une ancienne végétation datant des millénaires. Chez Jacques Vieille, artiste, botaniste, se retrouve également cette mise en forme des plantes. Ses sculptures et installations interrogent la relation entre le naturel et l’artificiel. La nature est motif dans ses créations qui s’insèrent dans l’architecture. Sa photographie Colonnes, convoque un lien entre un élément de l’architecture et l’arbre, coupé, au sol. Avec Cactus wood, le squelette d’un bois de cactus dialogue avec un motif de papier cadeau japonais et une feuille de mousse pvc alvéolé qui présentent le dessin de la même structure. Rosana Schoijett découpe, compose, reconstruit des images des lieux imaginaires à partir de livres anciens. Chez elle, le papier est aussi matière temporelle. Ses retables proposent de voir ces nouveaux paysages qui se déploient dans un double sens de lecture. Devant, derrière, l’œuvre dévoile des sutures, le geste de l’artiste. Ses œuvres incarnent le cycle du livre, cet objet qui circule et diffuse l’esprit d’un voyage. L’image d’une nature, le document renvoient aux manières dont les connaissances des lieux se transmettent. La feuille du livre rejoint celle de la plante. Le geste de l’artiste, le processus de découpe ou de mise en forme font écho au temps de la croissance du végétal.

Pauline Lisowski

C #110 ( Los Continentes, América del Norte, Seix Barral, 1965), 2019.

Collage de recortes cosidos de páginas de libros con hilo de algodón y metalizado. Retablo. Retablo. 32,5 x 131 cm (abierto).

LAS PROMESAS SON PARA SER ROTAS. Curaduría: Francisco Medail

Artistas: Adriana Lestido, Andrea Ostera, Agustina Triquell, Carolina Magnin, Cecilia Lutufyan, Cecilia Szalkowicz, Facundo de Zuviría, Jackie Parisier,  Manuel A. Fernández, Rosana Schoijett, Samuel Lasso, Tirco Matute.

C #109 (Los continentes, Seix Barral, 1965). 2018. (Frente).

Collage de recortes cosidos de páginas de libros con hilos de algodón y metalizados. Retablo en madera de nogal. 32,5 x 78,5 cm (abierto).

LAS PROMESAS SON PARA SER ROTAS

Desde sus orígenes la fotografía como práctica artística ha estado acompañada de cierto discurso profético en relación con su futuro inmediato. Fueron varios los que aseguraron que la fotografía vendría a liberar a la pintura del mandato de representar la realidad. Algunas vanguardias históricas creyeron encontrar en ella el aliado que necesitaban para transformar definitivamente el sistema de la producción artística. Una vez establecida al interior de los museos no alcanzó con lo que la fotografía había podido ofrecer hasta entonces. Comenzó así un desfile de exhibiciones sobre lo nuevo y lo contemporáneo en fotografía, la novedad como promesa que regiría el futuro de la disciplina. Se habló de nuevos documentos, de fotografía emergente, de nueva fotografía, de fotografía expandida, de otra fotografía. Insatisfechos con los resultados, desde algunas décadas viene sumando adeptos el presagio de su muerte: un grupo de apóstoles se dedica a pronosticar el final de sus días. En este contexto, ¿Qué significa presentar un nueva exhibición sobre fotografía contemporánea?. En otras palabras: ¿que más se le puede pedir a la fotografía? Si de hacer promesas se trata, esta exhibición anuncia desde el título su desobediencia. No hay aquí profecías sobre el devenir de la fotografía en Argentina ni predicciones sobre los nuevos artistas que emergerán en el futuro. Más que señalar la novedad, esta exhibición se propone trazar un recorrido por distintos modos de abordar la fotografía por artistas de diferentes generaciones y trayectorias en los últimos diez años. Una selección arbitraria de obras en las que la imaginación artística trabaja sobre la fotografía como el lugar donde se (des)encuentran distintas temporalidades. Cualidad de la fotografía clásica por antonomasia, la elección del monocromo como criterio de agrupación en esta muestra es, también, el intento por desplazar algunas expectativas que caen hoy sobre la producción contemporánea.

Francisco Medail

EL CUERPO AUN. Curaduría: Lucía Savloff

Con la participación de: Gabriel Colasurdo, Pilar Falco, Santiago Gasquet, Teresa Giarcovich, Paula Giorgi, Agustina Girardi, Santiago Goicoechea, Paula Massarutti, Sebastián Mercado, Magdalena Milomes, Santiago Poggio, Sofía Saunier, Julia Sbriller, Rosana Schoijett, Micaela Trucco, Joaquín Wall.

22 de febrero al 30 de marzo de 2019.

Centro de Arte y Cultura Universidad Nacional de La Plata.

Calle 48 N°575 e/ 6 y 7, La Plata. Martes a viernes de 10 a 19 hs.

#001, de la serie Una mujer bajo influencia. 2007. Fotografía directa, impresión Giclée. 80 x 100 cm.

#002, de la serie Una mujer bajo influencia. 2007. Fotografía directa, impresión Giclée. 30 x 40 cm.

#003, de la serie Una mujer bajo influencia. 2007. Fotografía directa, impresión Giclée. 60 x 73 cm.

#014, de la serie Una mujer bajo influencia. 2007. Fotografía directa, impresión Giclée. 60 x 75 cm.

Detalle de #001, de la serie Una mujer bajo influencia. 2007. Fotografía directa, impresión Giclée.

Texto curatorial:

El cuerpo aún

Esta exhibición reúne producciones artísticas que abordan de manera directa o tangencial al cuerpo como territorio de exploración. Desde su imagen hasta procesos internos e invisibles. Estados que van desde el abatimiento y la quietud al movimiento y la intensidad física; relaciones de atracción, rechazo, quiebre; sociales, económicas, afectivas. El proyecto parte de la idea de pensar el cuerpo como el sitio donde que se tramita todo lo que vivimos, desde lo personal a lo colectivo. El montaje, por medio de afinidades o contrastes, busca hacer centellear las obras entre sí, como quien hace chocar objetos para producir sonidos.

«¿A qué se llama pensar si pensar es pensar los cuerpos? ¿Qué relación, por ejemplo, de este pensamiento con la pintura? ¿Y con el tacto? ¿Y con el gozo (y el sufrimiento)? (Nancy, 2003: p. 16).

Mientras percibimos al cuerpo como evidencia de nuestra existencia física, carnal, material, intentar abordarlo parece develar su carácter inaprehensible (Le Breton, 2002: p. 13). Trazando su contorno o la silueta proyectada de su sombra, el gesto de intentar conservar la memoria de una existencia tiene una larga historia. Desde abordajes conceptuales y poéticos singulares, las propuestas operan sobre las tradiciones de la historia del arte y de géneros como el retrato o el documental. La imagen del cuerpo y el problema de la representación de la identidad, se aborda unas veces por superposición de capas y reunión de fragmentos, otras por sustracción de información para arribar a una síntesis. «No “rasgos”, “elementos”, “componentes”, sino lo que brilla por destellos, en desorden, fugazmente, sucesivamente, en el discurso “anecdótico”: el tejido de anécdotas del libro y de la vida» (Barthes, 2004: p.77).

Por comienzo se tomó una imagen en la que se observan cuerpos en reposo (posados, pesados, pesando, abriéndose, dice Jean-Luc Nancy). El cuerpo abatido, que encuentra disminuida su potencia de obrar o, por el contrario, un recogimiento como modo de resistencia, ante el imperativo de acción, de “ser productivo”. Porque no hay uno sino muchos cuerpos (Barthes). El cuerpo de la vestimenta, del ocio, del trabajo. Y en medio o en derredor, un malestar, «no sólo como un sinónimo de displacer, sino el signo de que estar en un mundo humano, tejido de lenguaje, de ficción y de afectos, implica estar de un modo fracturado, desencajado, paradojal, conflictivo.» (Doberti, Kohan: 2018)

Si bien el cuerpo parece ser el hilo en común que se ve a trasluz, es el espacio entre las obras o las distancias lo que vuelve fértil su reunión. Las propuestas se mueven entre medios y lenguajes, en la tensión entre la fotografía y la pintura, la escultura y el dibujo, la instalación en el espacio y el desarrollo de acciones físicas en el tiempo. El cuerpo y su imagen, multiplicada hasta el paroxismo en la era de las redes, se vuelve tema de reflexión para pensar en lo elusivo de la representación y lo complejo del concepto de identidad en la contemporaneidad. Entre otros temas, la exposición invita a pensar el lugar del cuerpo en una época en la que, a pesar de que se multiplican las vías de conexión, crecen la exclusión, la soledad y las violencias.

Cuando los cuerpos se ven amenazados en su integridad física y psíquica por políticas productoras de desamparo, y se multiplican las sujeciones, los dispositivos de control, represión y de captura del deseo, pequeños espacios de resistencia se abren en la invención de modos de vida y encuentro. Habilitados por los lenguajes del movimiento y la expresión física, o por la insistencia en la tarea dedicada e inútil, pueden funcionar como líneas de fuga. Complicidades, afinidades y acuerdos, resisten e insisten en la apertura de espacios de libertad entre los cuerpos.

Lucía Savloff

Referencias:

Barthes, Roland (2004). Lo neutro. México: Siglo XXI.

Doberti Julián y Kohan, Alexandra (2018). «Un cuerpo que no sabe». Disponible en: http://www.polvo.com.ar/2018/12/cuerpo-psicoanalisis/

Le Breton, David. (2002). Antropología del cuerpo y modernidad. Buenos Aires: Nueva Visión.

Nancy, Jean-Luc (2003). Corpus. Madrid: Arena Libros.

Spinoza, Baruch de (2012). Ética. Demostrada según el orden geométrico. Buenos Aires: Agebe.

SECRETOS COMPARTIDOS. Una antología de arte contemporáneo argentino. Colección Tedesco.

Curadores: Virginia Fabri y Eduardo Stupía

Centro Cultural Borges

5 de febrero al 5 de marzo 2019

C #80 (Los continentes, América del Norte, Seix Barral, 1965). 2014. (Frente). Collage con recortes cosidos de páginas de libros. Retablo de madera, vidrio y plexiglas. 65 x 80 cm (abierto).

C #79 (Los continentes, América del Norte, Seix Barral, 1965). 2014. (Frente). Collage con recortes cosidos de páginas de libros. Retablo de madera, vidrio y plexiglas. 65 x 80 (abierto).

Texto de sala de Eduardo Stupía. 2019

Así como hay quienes conciben la invención de la Enciclopedia como el triunfo de la razón en tiempos irracionales, puede pensarse que el coleccionismo – tanto el estatal y el institucional como el privado –adhiere a la loable, optimista vocación de preservar para las generaciones futuras los objetos que el mundo pondera como valiosos, trascendentes y fundamentales, salvándolos del desgaste y la acción destructiva del tiempo, la desidia, la indiferencia, el olvido, los cambios de paradigmas culturales y los conflictos terminales generados en gran medida por los protagonistas de ese mismo mundo.

A la vez, desde la irrupción de la burguesía, de los imperios y de los estados como omnipresentes estructuras políticas, las colecciones son un sistema para acumular no sólo valor simbólico sino, lisa y llanamente, capital y riqueza, en la medida en que sus bienes puedan seguir manteniendo un probado y atractivo valor de mercado frente a la eventual demanda yante cualquier hipotética reventa.

También, en el escenario contemporáneo, donde el arte al alcance del espectador medio exhibe la extraña, bifronte peculiaridad de mostrarse altamente socializådo y simultáneamente hermético cuando no astringente e incomprensible, aquellos bagajes de los coleccionistas que llegan a ofrecerse a la visibilidad pública funcionan pedagógica, museológicamente, proponiendo de manera casi automática, o eventualmente curatorial, un recorrido, una lectura, una mirada sobre los modos de ser del arte en un determinado territorios.

El coleccionista individual, desde el más calificado por algún determinado saber o vocación hasta el mero comprador asistemático de arte, más impredecible o espontáneo, es por definición, y por derecho justamente adquirido, arbitrario y hedonista, y la lógica de sus colecciones muchas veces revela los naturales altibajos y baches de quien elije según sus gustos, sus caprichos y, eventualmente, de acuerdo a contagios u opiniones ajenas, presuntamente expertas.

No obstante es justamente éste tipo de comprador quien aporta quizás la mayor cuota de dinámica, fluidez y vitalidad a eso que se llama mercado, funcionando muchas veces como el verdadero motor de las economías del consumo artístico, aun en sus instancias menos fértiles y más traumatizadas, cuando no se convierte casi en mecenas o filántropo para el universo de aquellos que intentan vivir del arte, un universo cada vez mas profuso y consecuentemente disputado.

El Centro Cultural Borges ofrece ahora,bajo el título de SECRETOS COMPARTIDOS, una selección antológica de uno de los coleccionistas más importantes y consecuentes de la Argentina, quien además se destaca como una notable excepción a la regla, en la medida en que su cuantiosa colección, que excede largamente las mil piezas, mantiene en medio de la mayor heterogeneidad de estilos, formatos y conceptos una calidad superlativa, consolidada y pareja, inmune al facilismo de las tentaciones pasajeras, construida con toda seriedad y sin snobismos, cerca de la revelación reflexiva, la responsabilidad cultural y la conciencia histórica.

Texto de sala de Virginia Fabri. 2019

                                                                                                              “Dios algunas veces geometriza”,Platón (427-347 a. C.)

Seleccionar y reunir obras a partir de una colección tan amplia, nos permite nuevos cuestionamientos y distintos ángulos de experimentación. En el caso de “Secretos compartidos”, reunimos más de cien obras en distintas salas del Centro Cultural Borges, con soportes múltiples: pinturas sobre lienzo, dibujos sobre papel, técnicas mixtas, fotografía y escultura. Lo que en principio se realizó de forma puramente intuitiva, empezó a cobrar sentido al colgarse en las paredes. Mientras que en la sala Berni la selección giró en torno a los ejes: Naturaleza – Formas Geométricas, otra de lassalas exhibe una selección basada en la línea y el dibujo. El resto de los espacios, exhibe obra donde se juega con las formas, el ritmo y el color. El resultado final del conjunto exhibido, se completa en la visión del espectador.

Uno podría preguntarse que tiene en común la naturaleza (en este caso se trata de mayormente de árboles), con la geometría de las formas –tal es la combinación de obras en la sala Berni-. La respuesta no es sencilla, pero está presente a través del número de oro, considerado por Leonardo Da Vinci como la medida de la belleza perfecta; una proporción matemática presente de distintas formasde la naturaleza; en el grosor de las ramas de un árbol o las nervaduras de las hojas; en la geometría de las formas, en las obras de arte o, también, en la proporción del cuerpo humano. El matemático Benoit Mandelbrot, desarrolló en el siglo XX una nueva geometría de la naturaleza, que permite describir las formas irregulares y fragmentadas presentes en ella, a partir de la noción de la geometría fractal, que sigue un algoritmo recursivo y donde el número de oro también está presente.

Mencionando alguna de las obras exhibidas, se observa “Nidos”, de la serie Simetrías Naturales de Marcela Moujan. Observamos aquí unárbol central con un nido en el medio, que se va ramificando siguiendo una simetría de ambos lados. Como dato interesante, el tronco principal está conformado por el contorno y un centro hueco que permite ver del otro lado, como si la mirada de la artista quisiera atravesar el alma de ese árbol. Alexis Minkiewicz presenta dos obras idénticas, dispuestas en la sala en forma de espejo invertido. Este es un ejemplo de la geometría fractal presente en la naturaleza, donde el tronco del árbol, con zonas que dejan ver la trama de la madera, presenta ramas repetidas ad infinitum en forma irregular.Con rigor geométrico, Mariano Dal Verme exhibe una exquisita escultura de pequeño formato, cuya estructura se sostiene con minas de lápiz, desafiando las leyes de la gravedad. Interesado desde los noventa en el estudio de la astronomía y las matemáticas, Ernesto Ballesteros exhibe una serie de dibujos en blanco y negro. A partir de la línea o el punto, Ballesteros traza casi obsesivamente formas expansivas de ondas, círculos, formas cónicas o espiraladas, que se repiten al infinito, o formas de la naturaleza, planteando así su   propio sentido del universo cósmico. Fabián Burgos, lector de revistas de física y de ciencia, interesado en las representaciones gráficas que allí aparecen, realiza abstracciones geométricas. Su obra Espiral azul, muestra la forma geométrica de un poliedro irregular sobre fondo azul.

A esta altura, cabe preguntarse sobre las motivaciones del coleccionista, a la hora de elegir la obra. Cirujano plástico de profesión, una podría imaginarse que una parte de su mundo interno esté regida por la búsqueda de un canon de belleza y tal vez, el sentido de lo divino presente en ella. Observando con atención, resulta interesante su dedicación a coleccionar objetos de arte tan diferentes,dispuestos en su propio espacio en un caos ordenado, pero a la vez muy armónico. Así visto, por último, uno puede imaginar que la selección de obra y el apoyo brindado a los artistas en su camino, tal vez también forme parte de esa búsqueda de la belleza y la perfección y de su propio sentido del universo.

Links de prensa.

Daniel Gigena, diario La Nación, 5 de febrero.  https://www.lanacion.com.ar/2216503-una-coleccion-secretos-visuales-se-comparte-centro

Mercedes Perez Bergliafa, Revista Ñ, Clarín 15 de febrero.  https://www.clarin.com/revista-enie/arte/revelaciones-coleccion-tedesco_0_b3_nJgSN1.html

Belén Papa Orfano, diario El Cronista, 8 de febrero.  https://www.cronista.com/clase/dixit/Tedesco-el-coleccionista-de-arte-argentino-que-no-quiere-serlo-20190207-0010.html?fbclid=IwAR0kaoE97_eB2NWiLy16N8tSYMeePneLk0IeiVfbkIDO4ZndXeGdVWmIOIY

Jéssica Fabaro, Todo Noticias.  https://tn.com.ar/sociedad/una-explosion-de-colores-y-de-formas-sale-la-luz-en-el-centro-cultural-borges_938851

DIAGONAL SUR. LA OTRA MITAD DEL MUNDO DEL ARTE.

Curador: Philippe Cyroulnik

13 de abril al 3 de mayo, 2018.

Sala 23 – Centro Cultural Borges

Diana Aisenberg – Carolina Antoniadis – Marcela Astorga – Elba Bairon – Fabiana Barreda – Jazmin Berakha – Raquel Bigio – Sofía Bothlingk – Natalia Cacchiarelli – Diana Chalukian- María Causa Cynthia Cohen – Nicola Costantino – Jimena Croceri – Flavia Da Rin – Marina De Caro – Desiree De Ridder – Verónica Di Toro – Marcolina Dipierro – Ana Eckell – Karina El Azem – Claudia Fontes – Carolina Fusiler – Ana Gallardo – Mónica Girón – Cecilia Glick – Silvia Gurfein – Graciela Hasper – Annemarie Heinrich – Melisa Henrandez – Nora Iniesta – Juliana Iriart – Magdalena Jitrik – Silvana Lacarra – Fernanda Laguna – Luciana Lamothe – Catalina León – Valentina Liernur Helena Lindelen – Lea Lublin – Tristana Macció – Valeria Maculan -Nuna Mangiante Liliana Maresca Mónica Millan – Adriana Minoliti – Marta Minujín – Marcela Mouján – Gladys Nistor – Karina Peisajovich – Alicia Penalba – Teresa Pereda – Agustina Pesci – Cristina Piceda – Liliana Porter Deborah Pruden – Andrea Racciatti – Ines Raiteri – Josefina Robirosa – Florencia Rodriguez Giles – Mariela Scafati – Rosana Schoijett – Alejandra Seeber – Mariana Sissia – Elisa Strada – Mariana Tellería – Paola Vega – Judi Wethein

 
La otra mitad del mundo del arte (Fragmento)   Elegí presentar a través de una obra de cada artista a todas las mujeres presentes en esta colección privada. Por lo tanto, me negué a hacer una selección basada en mi gusto personal. En este contexto de surgimiento de la voz de las mujeres en el mundo del arte, me pareció importante tomar esta decisión. Otras razones lo justifican. En primer lugar, a diferencia de una selección subjetiva dentro de la colección, esta opción permite conocer su compleja realidad y la evolución de los gustos del coleccionista. Muestra su subjetividad. En este sentido, permite dar a conocer a través de una colección un aspecto de la historia del gusto. A menudo, las exposiciones que pretenden presentar colecciones son, de hecho, solo una muestra del gusto del curador y del museo, en lugar de presentar el gusto del coleccionista.

Permite ver las preferencias y las ausencias que caracterizan estas elecciones en relación con la historia del arte contemporáneo. Finalmente permite definir la parte de las mujeres en esta colección. Por lo tanto, es un buen indicador de su lugar en el mundo del arte. También nos permite ver el lugar que ocupan en esta colección las problemáticas específicamente relacionadas con cuestiones de género, el Estado y la representación de las mujeres.

Hay que subrayar las características de esta exhibición:

– La mayor parte de las artistas pertenecen a la generación de los años 1990 – 2000.

– Varias de ellas deben su presencia, al interés que el coleccionista tuvo por un importante grupo de los 80’- 90’: el grupo de la X.

– El núcleo de esta colección está formado por artistas posteriores a los años 80’. Aunque algunas artistas históricas aparecen en esta colección como Liliana Maresca, Marta Minujín, Liliana Porter o Alicia Penalba, se trata más de excepciones que de elecciones sistemáticas. .

– En comparación con el número de hombres en la colección (144), las mujeres representan el 48% de los hombres, lo cual está lejos de ser insignificante. Con respecto a la totalidad de los artistas en la colección (213), representan el 32% de los artistas en la colección. Sería interesante comparar estos números con las proporciones existentes en las colecciones de museos y otras colecciones privadas.

Finalmente, es necesario subrayar la gran diversidad de las obras y la presencia de numerosas artistas cuya proyección supera en gran medida, la estricta escena argentina.

Philippe Cyroulnik, 2018

PAISAJES HUMANOS. Curaduría: Gastón Duprat